Yayoi Kusama (1929 - 2026)

Istalación monunental de Yayoi Kusama en el edificio de Louis Vuitton, el 13 de enero de 2023 en los Campos Elíseos de París.MICHEL EULER (AP/LAPRESSE)



Yayoi Kusama
(1929 - 2026)

A los 97 años, en Tokio, falleció la inmensa y poderosa Yayoi Kusama. El arte contemporáneo perdió a la legendaria pintora japonesa Yayoi Kusama el pasado 14 de agosto en un hospital de Tokio. 

Los lunares fueron su sello, su marca, su pasaporte a la eternidad y su particular manera de sumergirse en el infinito. Lunares, calabazas y  espejos conforman un arte inconfundible. 

“Desde los cinco o 10 años he estado pintando desde la mañana hasta la noche. Incluso hoy, no hay un solo día en que no pinte. Aún dibujo lunares en todas partes”, declaró en 2017, durante la inauguración de su museo en Tokio, un edificio de cinco pisos que incluye lunares hasta en el ascensor y que admite un total de 200 visitantes diarios: 50 personas cuatro veces por día. El visitante cuenta con 90 minutos “de soledad” para la contemplación de las obras. Las entradas, por supuesto, se mantienen agotadas.

 “Todavía veo alucinaciones”, confesó en dicha inauguración .  “Los lunares vienen volando y caen en mi vestido, en el suelo, por la casa, por el techo. Y yo los pinto”. 

Andrea Aguilar escribió el mismo año: “La original y llamativa creadora, cuyas pelucas de colores chillones vienen a ser lo que los bigotes fueron para Dalí, lleva décadas creando espacios en los que la presión visual, magnificada por espejos, es tal que permite fantasear con la fusión total, con la desaparición. Perderse, sentir que quedas borrado en un mundo multicolor y caleidoscópico es el gran tema en la idiosincrasia de la menuda japonesa que conquistó Nueva York mucho antes que Yono Ono. De hecho, la viuda de Lennon y el novelista Murakami se cuentan entre su amplia legión de confesos admiradores.”

En su veintena de libros (escribió novelas y poemas y, por supuesto, su autobiografía) Kusama reveló que su madre destruía sus obras y la obligaba a espiar a su adúltero padre. Aquellas escenas generaron una extraña relación que rozaba el rechazo hacia el sexo. Empezó a pintar para desaparecer, para volverse invisible, y también para plasmar las  alucinaciones  que tuvo desde niña.

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“Un día yo estaba viendo el patrón de flores rojas de un mantel en la mesa, y cuando vi hacía arriba vi el mismo patrón cubriendo el techo, las ventanas y finalmente sobre todo el cuarto, mi cuerpo y el universo. Sentí como si me hubiera empezado a autodestruir, a dar vueltas en el infinito del tiempo y lo absoluto del espacio, mientras me reducía a una nada. Cuando me di cuenta que estaba sucediendo realmente y no sólo en mi imaginación, me asusté. Sabía que tenía que huir de la amenaza de ser privada de mi vida por el hechizo de las flores rojas. Subí las escaleras corriendo con desesperación. Los peldaños debajo de mí comenzaron a desmoronarse y me caí de las escaleras, torciéndome el tobillo.”

Yayoi Kusama

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En 2014 una de sus obras fue subastada por siete millones de dólares en Christie’ y  fue señalada como la artista favorita del mundo en una encuesta realizada entre visitantes a museos.

Algunas de sus obras más conocidas son: Narcisus Garden (1966), Gleaming Lights of the Soul (2008) y colecciones como Dots Obsession (2008), Ascension of Polka Dots(2013) o Tulips of Shangri-la (2004). Expuso en la Bienal de Venecia, el MoMa de Nueva York, el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio, el Museo de Arte Contemporáneo de Sídney (Australia), el Tate Modern de Londres, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Guggenheim de Bilbao  y el Centro Pompidou de París. Diseñó en 2012 el exterior  del edificio corporativo de Louis Vuitton en Nueva York. 

Recibió numerosos reconocimientos, como el Premio Asahi, la Orden de las Artes y las Letras de Japón y el premio Nacional por Logros de Vida de la Orden del Sol Naciente. En 2006 fue la primera mujer en obtener el Praemium Imperiale de la Asociación de Arte de Japón, uno de los premios internacionales de arte más prestigiosos del mundo, y en 2016 recibió la Orden de la Cultura.

Nacida en la ciudad de Matsumoto el 22 de marzo de 1929, en una familia de comerciantes acomodada, Kusama comenzó a pintar a  los diez años. A los trece años, durante la Segunda Guerra Mundial, tuvo que trabahar hasta doce horas diarias en una fábrica de paracaídas.

Se trasladó a Nueva York en 1957, con 27 años y un cargamento de kimonos, y mantuvo amistad con Andy Warhol, Donald Judd, Eva Hester, Frank Stella y Joseph Cornell. Era una ciudad efervescente y rebosante de creatividad. El expresionismo abstracto deslumbraba al mundo, junto a movimientos como el minimalismo, el pop, el op-art, el arte conceptual.  Kusama creó obras de arte en espacios públicos, como en Central Park, donde desarrollaron actividades a modo de protesta contra la guerra de Vietnam. El activismo antibelicista de la japonesa era conocido en la época. La guerra marcó la psique de Kusama, que tenía 16 años cuando las bombas atómicas fueron arrojadas sobre las ciudades de Hiroshima y Nagasaki al final de la Segunda Guerra Mundial”.

Luego de quince años, la muerte de Joseph Cornell  en los setenta y el agravamiento de sus problemas mentales hicieron que regresara a Japón. Desde 1977 y hasta sus últimos días residió en una clínica siquiátrica, aunque salía diariamente a su estudio. Sola muerte le impidió seguir pintando.

27 de agosto de 2026

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Yayoi Kusama (Biographies II)

Yayoi Kusama (Biografías)

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Una pintura / La joven de la perla, de Vermeer

 

La joven de la perla es una pintura al óleo del pintor holandés de la Edad de Oro Johannes Vermeer, fechada alrededor de 1665.

El arte de Vermeer: ​​el enigma de "La joven de la perla"

Descubriendo la maestría de Johannes Vermeer y el encanto de su icónica pintura en Ámsterdam.

Orsolya Antoni 
12 de septiembre de 2024

En 2023, un buen amigo y yo tuvimos el placer de visitar la exposición de Vermeer en Ámsterdam. Nos divertimos mucho haciendo cola para comprar las entradas y conocimos a personas muy singulares e interesantes. Entre ellas, un brasileño de 85 años, antiguo músico que ahora viaja por el mundo. Tenía una promesa especial que cumplir para su nieta: una visita a la exposición de Vermeer en Ámsterdam. Su historia era fascinante y nos hizo reflexionar sobre la conexión que veía entre su vida, su música y el arte de Vermeer. Este encuentro, junto con la emoción de contemplar de cerca las obras de Vermeer, hizo que la experiencia fuera aún más memorable.

Una pintura / La noche estrellada, de Van Gogh

La noche estrellada, junio de 1889. Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Mi conexión con La noche estrellada de Van Gogh

Encontrar paz, belleza y significado en el mundo turbulento y las pinceladas luminosas de Vincent van Gogh.

Orsolya Antoni

12 de febrero de 2026

Vincent van Gogh ocupa un lugar especial en mi vida como mi segundo pintor holandés favorito, célebre por su uso vibrante y cargado de emoción del color. Su icónica obra maestra, «La noche estrellada», ha sido una fuente constante de inspiración, con sus cielos arremolinados y su profunda resonancia emocional que cautivan mi imaginación. El extraordinario talento de Van Gogh para capturar la belleza de su mundo, a menudo reflejando sus propias luchas, me conmueve profundamente. «La noche estrellada» es la culminación de su trayectoria artística, una representación de su estilo único y su profundidad emocional. Cada vez que contemplo su obra, descubro nuevos detalles y matices que me invitan a reflexionar y profundizar, asegurando que su presencia siga siendo una parte significativa de mi camino artístico.

 

Carrie Yamaoka, 68 x 12 (verde) redux (detalle), 2009/2025. Cortesía de Hamburger Kunsthalle.

Exposición de Carrie Yamaoka

21 de agosto de 2026 — 10 de enero de 2027 en el Hamburger Kunsthalle de Hamburgo, Alemania

13 DE AGOSTO DE 2026

La Hamburger Kunsthalle presenta la primera exposición individual en Alemania dedicada a la artista Carrie Yamaoka (n. 1957). La muestra, que se inaugura en el atrio de la Galerie der Gegenwart, tiene como motivo la entrega del Premio Maria Lassnig a esta artista multidisciplinar afincada en Nueva York.

Delicias orientales / La fantasía de la geisha

 

Shunga japonés ("Imágenes de primavera"), siglos XVIII-XIX.

Delicias orientales

La fantasía de la geisha

26 DE NOVIEMBRE DE 2014

Desde una perspectiva occidental, la geisha es una de esas delicias orientales envueltas en misterio y fantasía. Es una mujer sumamente sensual, una reliquia de una época pasada, que solo se encuentra en Japón. En este sentido, la geisha se asocia con un espacio y un tiempo fantásticos. Sin embargo, más allá del reino de los sueños, la geisha, tal como la imaginan los occidentales, existe de verdad. Es una persona viva y tangible; en resumen, real. Bueno, casi.

Una pintura / Un ángel en mi mesa o retrato de mi madre

 

Miriam Escofet
ANGEL EN MI MESA o RETRATO DE MI MADRE, 1967

Pintura ganadora Premio de Retrato BP 2018, anunciada en la National Portrait Gallery en Londres y seleccionada de forma anónima entre 2.667 obras procedentes de 88 paises.

Los jueces apreciaron "la reserva e intimidad de la composición de Escofet, que evoca tanto la calma interior de la modelo como la idea de la 'madre universal"

Miriam Escofet fue finalists en cuatro ocasiones anteriores, hasta que finalmente consiguió el premio que captura Lantigua de “la madre universal”, como ella misma dice.

De nacionalidad españoles, Miriam Escofet creció en un hogar de artistas. Su padre es el pintor español José Escofet (nacido en 1930). Su madre también era artista.

«Recuerdo particularmente haber visto a mi padre dibujar y estar completamente fascinada por su habilidad. También recuerdo pasar horas revisando sus libros de arte y descubriendo el mundo del arte en todas sus múltiples expresiones. En particular fueron las obras de pintores renacentistas y góticos las que me cautivaron; Bosch, Da Vinci, Van Eyck, Mantegna, Piero della Francesca, los mundos mágicos y místicos que representan sus obras. En cierto sentido, supongo que aprendí desde muy temprana edad el lenguaje especial" del arte, que sobrepasa el intelecto y conecta directamente con la imaginación y las emociones.”

Agencia EFE/ Facebook

La gran ola, de Hokusai

La Gran Ola de Kanagawa, diseñada por Katsushika Hokusai

La gran ola de Kanagawa

Una exploración personal de la tradición y la identidad japonesas a través de la lente de la imperecedera estampa de Hokusai.

12 DE NOVIEMBRE DE 2025, 

ORSOLYA ANTONI

Esta exquisita estampa, una obra maestra del ukiyo-e, cautiva con sus vibrantes colores y detalles intrincados. Desde el primer momento en que la vi, me envolvió el rugido tumultuoso del océano, una ola que se elevaba sobre el lejano Monte Fuji, creando un marcado contraste que despertó en mí una profunda curiosidad por el impresionante mundo de la cultura, el arte y la gastronomía japonesas. La energía de la ola, tan viva y dinámica, parecía narrar una historia más profunda de resiliencia y belleza en medio del caos, dejándome maravillado y asombrado.

Un libro / Veinte mil leguas de viaje submarino, de Julio Verne

Poesía y geografía

'Veinte mil leguas de viaje submarino' de Jules Verne es la novela perfecta porque resume las dos metáforas centrales de cualquier literatura: la inmersión, el viaje

Antonio Muñoz Molina

14 de noviembre de 2014

Julio Verne

En aquel austero comedor no estaban aún el televisor y el frigorífico que ocuparían lugares de honor unos años más tarde. Había una ventana enrejada, una mesa camilla, una repisa de obra en un rincón donde estaba la radio, un reloj de péndulo colgado de la pared encalada. El tictac del mecanismo murmuraba en la caja de madera. Los cuartos y las horas resonaban nítidos como golpes de gong. Yo leía sentado en una silla de anea, apoyando los codos en la mesa, arrimado al brasero, abrigándome con las faldillas, en la casa donde reinaba el frío durante los meses de invierno. No había un sillón ni un sofá donde echarse a leer. De noche, los mayores se quedaban dormidos apoyando la cabeza sobre los brazos cruzados. El único sitio para descansar era la cama, y la cama estaba en un dormitorio helado. Cuando yo leía en ella se me quedaban frías las manos. Sostenía el libro con una mano mientras calentaba la otra debajo del embozo.

Un libro / Bleak House, de Dickens

Charles Dickens
Poster de T.A.

Semanas con Dickens

• Lá maestría técnica de Charles Dickens no interfiere su desatada vocacion de folletinista

ANTONIO MUÑOZ MOLINA 3 SEP 1997

He entrado en septiembre en la compañía suntuosa de Charles Dickens. Según la luz del sol se hace más madura y dorada y las tardes más breves, voy avanzando por las casi 1.000 páginas de Bleak house (Casa desolada), que no es de sus novelas más conocidas entre nosotros, pero sí, sin la menor duda, una de las mejores, y la absoluta extemporaneidad de la lectura me parece un indicio alenta dar en el comienzo todavía perezoso de la temporada. Quisiera uno seguir leyendo y viviendo como lee y vive ahora, al margen de las coacciones insidiosas o destempladas del presente, dedicando los días a acontecimientos de tan delicada lentitud y tan escasa actualidad como las páginas de Dickens, los signos de la llegada del otoño a la vegetación o el modo en que el último sol de la tarde dora una nube inmóvil y solitaria que poco a poco acaba adquiriendo un intenso color morado, como un adelanto de los colores de octubre.Cuando ni la cabeza ni la biblioteca se tienen muy organizadas, las lecturas suelen seguir un ritmo sinuoso, hecho sobre todo de quiebros y de casualidades, de antojos o encuentros no premeditados. Este verano yo he llegado a Dickens a través de Vladimir Nabokov: releí Lolita, por uno de esos impulsos en los que no hay el menor cálculo, y de Lolita pasé a la estupenda biografia de Nabokov escrita por Brian Boye, en la cual hay un relato muy detallado de las clases sobre literatura europea que dio Nabokov a lo largo de los años cincuenta en la Universidad de Comell. Uno de los libros que a él más le gustaba explicar era precisamente Bleak house. Fui a buscarlo enseguida, di con él en una de esas ediciones sólidas y austeras de Penguin, y nada más tenerlo y sopesarlo en las manos yo creo que me transmitió algo de la felicidad anticipada de la lectura, una gravitación de mundo apretado y populoso que sólo nos sugieren las mejores novelas, los anchos novelones que nos hicieron descubrir para siempre el puro y simple entusiasmo de la literatura.

Bajo el volcán, de Malcolm Lowry

Malcolm Lowry

Bajo el volcán

Una adicción

Antonio Muñoz Molina

23 de febrero de 2008

Malcolm Lowry

Hace muchos años, en Granada, un amigo muy querido me encargó el primer trabajo literario por el que recibí una remuneración decente: escribir, para un volumen colectivo sobre la historia de la ciudad, un repaso breve de las crónicas que viajeros ilustres le habían dedicado a lo largo de los siglos, haciendo de ella un lugar de la imaginación tan exótico y tan infiel a la realidad como aquellos grabados que convertían en salones de esplendor oriental las estancias modestas de la Alhambra. Tenía que escribir quince páginas: como ocurre tantas veces en que un encargo acaba siendo un don inesperado, al cabo de meses de lecturas y descubrimientos acabé escribiendo más de cien. La ciudad en la que transcurría con tan poco lustre novelesco mi vida ocupaba un lugar distinguido en los mapas de la literatura. Algunas veces, en ciertos lugares, a una cierta luz, en la noche cerrada o en la claridad húmeda de las mañanas, en los atardeceres violeta, yo casi podía vislumbrar, más allá de la miopía de la costumbre, la ciudad que para otros estaba cifrada sobre todo en su nombre, mejorada o revelada por su leyenda. Coleccionaba testimonios que eran como esas postales de lugares lejanos que uno encuentra a veces en los mercadillos, escritas y enviadas hace cincuenta o cien años, con sus fotografías en color de paisajes que quizás ya no existen, tan borrados del mundo como la mano que escribió la postal y los ojos de quien la recibió.

Un libro / El cártel, de Don Winslow

La narración ilimitada

Ahora que el arte de la novela parece contraerse, Don Winslow se atreve a abarcar generaciones y países enteros

Don Winslow / Estados Unidos lucha en México con la idea de Vietnam 

Antonio Muñoz Molina

22 de febrero de 2019

Empecé hace unas semanas a leer a Don Winslow y no he podido dejarlo. Hasta hace muy poco apenas me había fijado en sus libros y ahora empiezo uno en cuanto he terminado el anterior, y compruebo con impaciencia, casi con alivio, que acaba de publicarse otra novela suya, que reseñaba hoy mismo The New York Times. Lo peor de los prejuicios es que uno no sabe que los tiene. En escaparates de librerías, en suplementos literarios de aquí y de fuera, yo había encontrado el nombre de Don Winslow, pero no me había fijado mucho en él porque venía asociado a ese tipo de novelas que uno ve muy destacadas en las librerías de los aeropuertos, con portadas como titulares sensacionalistas, a veces en letras doradas en relieve.

Un pintor / Willem de Kooning

Elaine and Willem de Kooning

Antonio Muñoz Molina

De Kooning, talento y desastre

BIOGRAFÍA DE WILLEN DE KOONING

EL PAÍS 3 DIC 2011

Willem de Kooning tenía una idea proletaria del oficio de pintor. Era hijo de la dueña de una taberna de Rotterdam a la que acudían trabajadores del puerto. Emigró a Estados Unidos como polizón en un barco de carga cuando tenía 22 años y entre los muchos trabajos que hizo para salir de la penumbra estuvo el de pintor de brocha gorda. Tenía una complexión poderosa de obrero, la talla corta, el pecho y los brazos musculosos, las manos grandes y fuertes. Durante una gran parte de su vida fue tan pobre que él mismo se fabricaba los pocos muebles que necesitaba en su casa, buscando maderas en almacenes baratos o en solares de derribos. Cuando le faltaba dinero hasta para comprar lienzos pintaba sobre cartón o sobre planchas de aglomerado. Cuando no podía ni costearse tubos de óleo pintaba con esmalte. Trabajaba ensimismado durante jornadas que podían durar el día entero y parte de la noche y cuando se daba un descanso acudía a la Cedar Tavern de University Place con los zapatos y los pantalones salpicados de pintura. Algunos de sus efectos visuales más potentes los logró usando brochas de pintor de paredes y abarcando la anchura del lienzo con todo el brazo extendido: pintando no con la mano, ni con la muñeca, sino con el brío de todo el cuerpo.

Un pintor / Toulouse-Lautrec

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Henri de Toulouse-Lautrec

Toulouse-Lautrec

Las mujeres miradas

Antonio Muñoz Molina

13 de noviembre de 1996

Reconocemos la modernidad inmediata de Toulouse-Lautrec en el desasosiego de caligrafía urgente que tienen siempre sus trazos, en la prisa por captar cuanto antes lo que un segundo después ya no será igual. Pinta como si dibujara, con la instantaneidad de los calígrafos japoneses, y anuncia muy anticipadamente los gestos de velocidad y audacia de Robert Motherwell o de Jackson Pollock. Pinta y dibuja lo que ve, lo que ama, lo que está descubriendo y espiando, la sustancia misma de la vida moderna, como quería Baudelaire, pero a la vez pinta; igual que los expresionistas, el acto y el gesto de pintar, las destrezas y las incertidumbres de la mano, la sucesión de parpadeos rápidos y de fulminantes decisiones que constituyen la materia de su oficio. Parece que pinta o dibuja en cualquier circunstancia, en el palco de un teatro, en el salón de un prostíbulo, en un circo, entre las mesas de un café, y que lo hace con lo primero que encuentra a mano, que muchas veces en un trozo cuadrado de cartón. No sólo vemos con los ojos, también tocamos con ellos, tocamos la textura rica y vulgar del cartón, la materialidad grumosa de los lápices, vemos el escorzo o el perfil de una cara que estarán siempre como inacabadas, y, por lo tanto, siempre haciéndose delante de nosotros.Esa mujer de espaldas, pelirroja, con el pelo impetuoso y recogido en un moño, con un pañuelo al cuello, pintada y dibujada a la vez sobre un cartón, con óleo diluido en trementina para que las pinceladas sean más rápidas y con un lápiz rojo, tiene ahora mismo una poesía de provisionalidad y de presente idéntica a la que debió de tener cuando la mano y la mirada de Toulouse-Lautrec se apresuraban para retratarla. El cartón es de mala calidad, áspero, más bien sucio, incluso tiene, en la parte superior derecha, un oscurecimiento que será de humedad: da lo mismo, esa materia tan innoble, por comparación con el lienzo, transforma su misma vulgaridad en un atributo de la obra de arte, se convierte en una parte necesaria de ella, como el mármol de una escultura de Rodin o de Miguel Ángel.

Un pintor / Picasso / El minotauro y la doncella

Escena báquica con Minotauro (18 de mayo de 1933),
de Pablo Picasso, perteneciente a la Suite Vollard.

Pablo Picasso

BIOGRAFÍA

El Minotauro y la doncella

ANTONIO MUÑOZ MOLINA 28 MAR 2009

El mito, decía Pavese, es contar algo de una vez para siempre: contar un cuento muchas veces y que nunca se agote su misterio, contarlo a través de los siglos y que sea siempre una revelación y al mismo tiempo un enigma. Después de ver la Suite Vollard de Picasso en las nuevas salas de la Fundación Mapfre en el paseo de Recoletos he buscado la historia del Minotauro en un diccionario de mitología griega, en las Metamorfosis de Ovidio, en ese relato de Borges que se titula La casa de Asterión. El Minotauro de Picasso tiene un cuerpo de hombre fornido pero ya no joven y un cabezón ciclópeo más de bisonte que de toro, aunque su destino sea morir en la luz cruel de la plaza y no en las tinieblas del laberinto. Para que una claridad excesiva no dañe el papel en el que están impresas, las estampas se ven en una sala casi en penumbra. Viniendo del fulgor de la calle, el lugar ya tiene algo de galería de un laberinto, sobre todo si es una hora temprana en un día laboral y no hay más visitantes.

Picasso ya no despierta la misma reverencia incondicional y abrumada de antes, lo cual sin duda es una ventaja a la hora de distinguir, en su obra innumerable, la parte más sólida, la que en vez de diluirse o desacreditarse se afirma con el paso del tiempo. Hay algo literalmente monstruoso en una fama excesiva: monstruoso porque desbarata la figura humana de un artista, volviéndolo tan superior a las figuras y los logros de los demás que hace de ellos insectos o simples adoradores; y monstruoso también porque al aislarlo a él, al elevarlo insensatamente, lo convierte en un monstruo, una criatura deforme y misántropa que se alimenta del tributo de la adoración y nunca tiene bastante, que sólo tolera la cercanía de personas serviles a las que sin embargo desprecia, condenado por su misma soberbia y por la sumisión de los demás a una soledad terrorífica. La idea del artista genial, un invento del romanticismo exagerado hasta el delirio en la época de las celebridades globales, cada vez me produce más desconfianza. Nadie merece tanta admiración. Nadie está tan por encima de sus contemporáneos ni de sus semejantes. El talento, como cualquier capacidad humana, es siempre limitado, y está bien que sea así; y también, como cualquier otra capacidad que se desarrolla mucho, tiende al desequilibrio: se es muy bueno en el razonamiento matemático a costa de un cierto grado de indiferencia hacia la vida cotidiana y las cosas tangibles; llegar a ser un sabio en un campo de conocimiento por fuerza significa ser ignorante en casi todos los demás.

Un pintor / Picasso / Patología del genio

Françoise Gilot y Picasso en 1952 

Pablo Picasso
BIOGRAFÍA
Patología del genio

Picasso, dice Richardson en sus memorias, “necesitaba desesperadamente admiradores que alimentaran su ego voraz”

ANTONIO MUÑOZ MOLINA 
9 JUN 2012 - 13:01 CET

El rey Midas del arte del siglo XXI es el galerista Larry Gagosian. Debe de ganar tantos miles de millones vendiendo tiburones en formol de Damien Hirst a estafadores financieros y traficantes de petróleo y de otras sustancias aún más lucrativas que tiene suntuosas sucursales de su galería en casi todas las zonas más caras de la Tierra: en Madison Avenue, en Beverly Hills, en Ginebra, en Londres, en París, en Hong Kong. Los tiburones en formol, los becerros chapados en oro, los cuadritos de lunares y los estantes farmacéuticos de Hirst son tan rentables para el galerista Gagosian como las aspiradoras en vitrinas de cristal y las panteras rosas y perritos de porcelana de Jeff Koons. El mapa mundial de sus galerías se corresponde fielmente con el del flujo de los capitales especulativos.