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miércoles, 4 de noviembre de 2020

Una pintura / Isabel Rawsthorne standing in a street in Soho, de Francis Bacon



Francis Bacon
Isabel Rawsthorne standing in a street in Soho

Pintora, diseñadora y modelo de innumerables artistas, la británica Isabel Rawsthorne (1912-1992) vivió un siglo en el arte, con el arte y para el arte sin despreciar los goces de lo mundano.

Casada tres veces, primero con el periodista Sefton Delmer, corresponsal que fue del Daily Express durante la Guerra Civil española y la invasión de Polonia por la Wehrmacht en 1939 y del que se divorciaría durante la 2ª Guerra Mundial; después, en 1947, con Constant Lambert, un compositor y director de orquesta famoso por sus trabajos para el ballet ruso de Serge Diaghilev’s y, tras la muerte de este en 1951, con el también compositor británico Alan Rawsthorne.

Su vida a caballo entre París y Londres le permitió establecer una buena relación con sus contemporáneos André Derain, Jacob Epstein, Alberto Giacometti, Balthus, Eduardo Paolozzi, Pablo Picasso y Francis Bacon entre otros y dar a conocer su obra en los círculos pictóricos europeos. También mantuvo una relación social en los ambientes cultos en que se movían Simone de Beauvoir, Sartre, Jean Wahl, René Leibowitz y Georges Bataille con quién se dice que mantuvo relaciones al igual que con su gran amigo, Alberto Giacometti.

A Francis Bacon le conoció en Londres, durante su segundo matrimonio, formando con él y el pintor Lucian Freud un grupo puntero en la pintura figurativa.

En su relación pictorica con Francis Bacon, ella le sirvió como modelo en numerosos retratos y en la relación personal, tal vez como amante, a pesar de ser Bacon, un conocido homosexual. De Francis Bacon se cuenta que dijo durante una entrevista a una famosa revista francesa: "Tú sabes, yo también hice el amor con Isabel Rawsthorne, una mujer muy hermosa que fue modelo de Derain y novia de Georges Bataille".

En este enigmático cuadro titulado "Isabel Rawsthorne, de pie en una calle en el Soho", Francis Bacon retrató a Isabel basándose en dos fotografías que John Deakin, un fotografo inglés ligado al grupo de Bacon, había hecho a Isabel por encargo de este.

Ella estaba de pie delante de un escaparate con un automóvil a sus espaldas, automóvil que Bacon transforma en un toro-automóvil situando a Isabel en una especie de ruedo y en la línea entre sol y sombra, esta última de un azul intenso.

De sus manos parece pender lo que puede ser un capote y su postura, altiva, recuerda la figura del matador. A la derecha y sobre esa especie de espejo cóncavo, una serie de espectadores contempla la faena.

Bacon fue un enamorado de España y de la fiesta de los toros a la que asistió con frecuencia y de la que realizó su serie de "Tauromaquias". Este cuadro pintado en 1967 pudo ser un avance o estudio para dichas tauromaquias.





viernes, 15 de mayo de 2020

Obras maestras / El mundo de Cristina, de Andrew Wyeth




El mundo de Cristina
Andrew Wyeth
The Museum of Modern Art_NY 2012
Foto de Triunfo Arciniegas

OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURA
Christina’s World  by Andrew Wyeth


Si se visita New York por primera vez, hay tres cosas que está uno casi obligado a ver antes de nada: la Estatua de la Libertad, la vista desde el último piso del Empire State Building y el cuadro de Andrew Wyeth en las paredes del Museo de Arte Moderno (MOMA), El mundo de Cristina.

Este cuadro, un icono dentro de la cultura popular estadounidense, solo es comparable en popularidad al Gótico americano, de Grant Wood. Baste decir que, en 2006, una retrospectiva de la obra de Andrew Wyeth en el Museo de Arte de Pensilvania, fue visitada por más de 175 mil personas en un período de menos de cuatro meses lo que representa un récord jamás igualado en la obra de un pintor vivo.



El mundo de Cristina fue pintado por el pintor de Pensilvania, Andrew Wyeth, en el año 1948 en los alrededores de su residencia de verano en Cushing, en el estado de Maine. En este cuadro, Wyeth retrata de espaldas a una mujer vestida de rosa y que parece arrastrarse por una pradera en dirección a una misteriosa casa que aparece lejana, allí en el horizonte. De la simple observación del cuadro no se puede definir la edad de la mujer ni tampoco averiguar si se encuentra en una situación de incapacidad que la impida llegar hasta la casa que ella parece contemplar. Solo destacan, la tremenda soledad de su entorno y la fragilidad aparente de sus delgados brazos en los que descarga el peso de su torso erguido.

Que hace esta mujer y que nos quería contar el pintor con este misterioso cuadro. Eso, lo explicó al mundo el propio Andrew Wyeth.

En este cuadro, él había querido representar a Christina Olson, una vecina a la que había conocido a través de su mujer y que vivía sola con su hermano Álvaro en la casa que aparece en el cuadro. Christina, era una mujer con una incapacidad motora producida por una poliomielitis que la había afectado en su juventud y que no se resignaba a permanecer sentada todo el día ni a usar una silla de ruedas para sus desplazamientos prefiriendo arrastrarse por el campo de donde recogía pequeños ramilletes de flores para adornar su casa.

Andrew Wyeth

Realmente, la mujer que aparece en el cuadro no es la propia Christina Olson. En esas fechas, ella tenía ya 55 años y para el detalle de su torso Andrew Wyeth usó a su esposa Betsy como modelo queriendo mostrar con este cuadro el sentimiento de admiración que él había llegado a sentir por aquella mujer.

A Christina la pintó en numerosos cuadros y también a su limitado mundo formado este por su hermano, por aquellas praderas y por esa grande y destartalada casa en la que los dos hermanos le llegaron a habilitar un estudio y desde el que Wyeth pintaría con ojos de voyeur el mundo que se filtraba a través de aquellas ventanas a las que él definió como unos gigantescos ojos, ojos como pedazos del alma, casi.

Christina Olson murió en 1969, algunos años después que su hermano Álvaro y está enterrada junto a él en el cementerio que existe a espaldas de la casa y en el que también descansa Andrew Wyeth por expreso deseo del mismo. La casa, construida en 1700 y reformada con su aspecto actual en 1871 por un antepasado de los Olson, está declarada desde junio de 2011 Monumento Histórico Nacional y forma parte actualmente del Farnsworth Art Museum, un museo con una de las colecciones más grandes de pintura de la familia Wyeth, toda una saga de artistas.

Puedes ver más obra del pintor realista Andrew Wyeth en este video o visitando su página Web.

DESDE EL OTRO LADO DEL CUADRO


Obras maestras / Picasso / Guernica


Pablo Picasso (Pablo Ruiz Picasso) - Guernica
Guernica
Pablo Picasso


OBRAS MAESTRAS DE LA PINTURAPicasso y el terror de las víctimas

Los museos cierran sus puertas, pero la contemplación del arte sigue abierta. Cada día, destacamos una obra visitable en la red y surgida del diálogo entre dos creadores. Hoy: el 'Guernica', que el malagueño pintó bajo el poderoso influjo de Rubens


Peio H. Riaño
17 de marzo ded 2020

“En Roma está el Papa, pero en Nápoles está Dios”. Y así Jean Cocteau sacó a Pablo Picasso de la capital italiana. En febrero de 1917, el escritor y el pintor montaron un viaje relámpago en el que el malagueño conoció a su futura mujer, la bailarina de los Ballets Rusos Olga Khokhlova, y también el impresionante Los horrores de la guerra (1640), de Rubens, en el Palazzo Pitti (Florencia). El devorador de imágenes, que convirtió a la tradición en su mejor colaborador, partió de ese inmenso lienzo donde la destrucción, la barbarie y el dolor habían quedado tan bien fijadas que se bebió al maestro barroco y levantó Guernica veinte años después. El cuadro se conserva y exhibe en el Reina Sofía de Madrid y puede visitarse virtualmente y en alta definición en la web del museo durante el cierre provocado por la cuarentena.
El Gran Duque Fernando II de Toscana quería una alegoría de la Guerra de los Treinta Años, el conflicto bélico más grande del siglo XVII, que involucró desde Suecia hasta España, entre 1618 y 1648. Un encargo similar llega a Picasso del Gobierno de la República Española para dar a conocer al mundo la miseria de la Guerra Civil española en la Exposición Internacional de París, en 1937. Picasso decide invertir la composición –como si fuera un espejo– y desplaza el movimiento de derecha a izquierda, con el mismo número de personajes (sin los cuatro amorcillos), la misma tensión dramática, las mismas expresiones de terror y con la culminación de dos mujeres que, desgarradas ante la subversión del orden social, levantan los brazos al cielo.
Picasso también incluye el espanto de la madre con su hijo, pero prefiere dar un paso más allá en el drama y representarlo fallecido. Alecto, el personaje mitológico que porta la antorcha (vive en el mundo tenebroso), tiene su acto reflejo en la lámpara que aparece en la parte alta de Guernica. Ahí está igualmente la figura del arquitecto muerto, que Rubens presenta con un compás en una mano y un escoplo en la otra. Y, por supuesto, la paz: el pintor barroco la muestra convertida en una rama de olivo. En la versión picassiana es una flor que resiste a la guerra.
A este evidente reflejo, la historiografía ha preferido denominarlo calco topológico, en lugar de fotocopia apocalíptica –demasiado peyorativo, dada la variedad monocromática con la que actuó Picasso– o incluso apropiación cultural, porque hace propia la idea de Rubens para tomar posición en el mundo. El otro día, un buen amigo me preguntó si imaginaba la violencia de la pintura flamenca en la tradición española. Y la pregunta quedó sin resolver hasta hoy.

Obras maestras / La joven de la perla, de Vermeer

'La joven de la perla', de Vermeer, conservada en la Mauritshuis de La Haya (Países Bajos).
'La joven de la perla', de Vermeer, conservada en la Mauritshuis de La Haya (Países Bajos)

Vermeer y la mujer encerrada

Los museos han cerrado sus puertas, pero la contemplación del arte sigue abierta. 

Peio H. Riaño
26 de marzo de 2020


“Sería capaz de dejarme cortar la mano izquierda bajo la condición de que pudiera observar durante diez minutos a Vermeer de Delft sentado ante su caballete cuando se hallaba pintando”. Salvador Dalí fue un incondicional del pintor galáctico del Siglo de Oro holandés. En él encontró la escapatoria a la abstracción que practicaban sus contemporáneos y en los que solo veía decoración. A diferencia de ellos, su propio estilo, decía, era un reencuentro con las grandes fuentes de la pintura, para rehacerla: “Hay que comprender de nuevo”, explicó en una de sus primeras entrevistas, mientras pintaba El espectro de Vermeer de Delft utilizable como mesa, que se conserva en el Museo Dalí de San Petersburgo. Revisó al pintor barroco varias veces, hasta que en 1955 creó el Estudio paranoico-crítico de 'La encajera' de Vermeer, que exhibe el Guggenheim de Nueva York. Incluso rodó un largometraje con Robert Descharnes sobre esta pintura del artista que Dalí tenía como el más grande, el único capaz de superar a Velázquez en su personal clasificación de los maestros del arte.
El más grande entre los grandes no tenía para pagar el pan. Y, tras su muerte, su viuda tuvo que saldar cuentas con el panadero con dos cuadros. Vermeer vivió en la miseria y su trabajo lento y detallado tampoco ayudó a alcanzar más beneficios. Murió con 43 años y solo se le atribuyen 35 cuadros. Fueron suficientes para llevar la pintura holandesa de género al más alto nivel, donde la vida cotidiana anuncia una pintura que se impondrá dos siglos después. En la pintura holandesa, lo excepcional es lo cotidiano, sin estridencias ni héroes. Hay más sutilidad que drama, más luz que gesto. Más guiños que metáforas. Vermeer se negó a arrancar a sus personajes de la prosa de la vida. Malraux dijo que fue un pintor que ofreció al mundo “como valor fundamental la pintura en sí”. Para muchos teóricos, lo que interesa de Vermeer “no es el mundo de los hombres, sino el de la pintura”, apuntó el pensador Tzvetan Todorov.
Sin embargo, es importante detenerse en ese mundo de los hombres para ver cuál es el mundo de las mujeres. “El marido debe salir a la calle a trabajar / la esposa, en los fogones, no saldrá del hogar”, en un verso de Jacob Cats, famoso poeta moralista de una época con un patriarcado a pleno rendimiento. Las tareas, en aquella Holanda del siglo XVII, quedan repartidas en función del sexo. Y ahí están ellas, encerradas, domesticadas y dueñas de una habitación propia del tamaño de una cárcel, como La muchacha del collar de perlas (1662-66). Lo cotidiano es, para ellas, la estrechez, aliviada por un punto de fuga, las ventanas, que son más tortura que esperanza. De todas esas mujeres recluidas en el silencio de sus tareas, en los dominios de su invisibilidad, La joven de la perla (1665-1667) –que se exhibe en la Galería Real Mauritshuis, en La Haya, que permite visitar el cuadro virtualmente y en alta definición durante su cierre temporal– parece ser la excepción a todas las reclusas: simplemente es un rostro idealizado, una pintura perfecta, el mejor ejemplo de su maestría para captar clientes. Ella es la musa de su catálogo. Vermeer logra una representación tan perfecta, que no parece pintar personas, sino cuadros. Ni mujeres, sino seres que ocupan habitaciones.

EL PAÍS


domingo, 12 de abril de 2020

Obras maestras / Yayoi Kusama y el gran robo del arte

'Infinity Mirrored Room. All the Eternal Love I Have for the Pumpkins' (2016), de Yayoi Kusama.
'Infinity Mirrored Room. All the Eternal Love I Have for the Pumpkins' (2016), de Yayoi Kusama.

OBRAS MAESTRAS



Yayoi Kusama y el gran robo del arte

Los museos han cerrado sus puertas, pero la contemplación del arte sigue abierta. Cada día, recordamos la historia de una obra que visitamos a distancia. Hoy: ‘Infinity Mirror’

Peio H. Riaño
11 de abril de 2020

“No puedes erradicar la violencia usando más violencia”. Así acababa la carta que Yayoi Kusama envió a Richard Nixon, el 11 de noviembre de 1968, un año antes de convertirse en presidente de los EEUU. En la misiva la artista japonesa explicaba que la Tierra “es como un pequeño lunar entre millones de otros cuerpos celestes, un lugar lleno de odio y lucha en medio de las esferas pacíficas y silenciosas. Vamos a cambiar todo esto tú y yo, hagamos de este mundo un nuevo Jardín del Edén…”. Efectivamente, estaba invitándole a participar en una orgía. Ese era el trato: Kusama ofreció servicios sexuales a Nixon a cambio del alto el fuego en Vietnam. “¡Calma tu espíritu de lucha viril!”, se despedía en el escrito. Que se sepa, Nixon no contestó y la guerra continuó otros siete años más. Kusama no volvió a poner en aprietos a un presidente y continuó desarrollando, como ella misma lo llama, sus alucinaciones de la infancia.
Cuatro años antes del intento de que la paz reinara en el mundo, había montado su primera exposición en Nueva York, en diciembre de 1964, en la galería de Gertrude Stein. En la sala, un bote con remos lleno de penes o protuberancias fálicas cosidas y rellenas. Empapeló la pared de la sala con la reproducción de la fotografía de la embarcación. Continuó por los pasillos y los techos de la galería, construyendo un mosaico infinito y lo tituló Aggregation: One Thousand Boats Show. “¡Wow, fantástico Yayoi! Esto me gusta mucho”, dice Kusama que le dijo Andy Warhol ante la obra.
Dos años más tarde, en abril de 1966, en la galería Leo Castelli, Warhol retomó la idea de Yayoi y multiplicó por 100 la cabeza de una vaca, en rosa y fondo amarillo. Era su primera gran exposición: había nacido el Pop Art, gracias a Kusama. La artista, rota, se refugió en su estudio y cubrió todas las ventanas para que nadie pudiera volverle a robar nada. Fue la primera, pero no la última vez que se apropiaron de sus ideas. El machismo y el racismo hicieron el resto y Kusama se convirtió en una figura invisible. También para Yoko Ono, cuatro años más joven, a pesar de los círculos de amistades coincidentes, y de vivir dos carreras vitales y profesionales paralelas desde los años cincuenta. Esta historia está hilada por el desencuentro.
En 1965 creó su primer Infinity Mirror: habitaciones infinitas de laberintos cubiertos de espejos de los que parece imposible salir y de los que tampoco aparece escapar. Transformó sus trabajo de papel, la repetición de sus pinturas, en una experiencia de la percepción. A lo largo de su carrera —el pasado 22 de marzo cumplió 91 años, en el hospital psiquiátrico de Tokio en el que vive por elección— ha montado más de una veintena de salas que celebran la vida más que asfixiarla. En el Museo Hirshhom de la Smithsonian Institution estaba previsto la inauguración, el pasado 4 de abril, de la mayor exposición de estas salas y de sus esculturas orgánicas. De hecho, la institución adquirió el pasado febrero dos de las salas para su colección, aunque no revelaron el precio que pagaron por ellas. Kusama —la artista viva más codiciada, con los precios más altos del mercado y exposiciones por todo el mundo, además de un museo permanente inaugurado en Tokio hace dos años— ha imaginado un mundo sin fronteras entre la realidad y la alucinación.