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miércoles, 6 de agosto de 2025

Una película/ El profesional, de Luc Besson

 


EL PROFESIONAL

"El Profesional" (también conocida como "León, el Profesional") es una película francesa de acción y drama de 1994 dirigida por Luc Besson, protagonizada por Jean Reno, Gary Oldman y Natalie Portman en su debut cinematográfico. La trama sigue a Léon, un asesino a sueldo, quien acoge a Mathilda, una niña de 12 años, después de que su familia es asesinada. Juntos, desarrollan una relación inusual, donde ella se convierte en su protegida y aprende su oficio. 

Natalie Portman fue elegida para el papel de Mathilda después de un extenso casting que incluyó a más de 2000 jóvenes actrices. Aunque Liv Tyler era la favorita del director, se consideró que tenía demasiada edad para el papel. 

El personaje de Stansfield, interpretado por Gary Oldman, muestra una obsesión particular con Beethoven. Irónicamente, Oldman más tarde interpretaría al famoso compositor en otra película. 

La película fue filmada en varias locaciones reales de Nueva York, incluyendo Spanish Harlem, Chinatown y Wall Street, además de Hoboken y West New York en Nueva Jersey. 

El perfecto asesino se estrenó un 14 de septiembre de 1994, donde recibió excelentes comentarios de parte de la crítica y el público. La dirección de Besson, su emotiva historia y las actuaciones de su elenco le valieron mucho éxito y reconocimiento y aún continúa siendo recordada como una de las grandes películas de los 90, y como un filme de culto que todo el mundo debería ver al menos una vez en la vida.

EL HOGAR DEL CINE / FACEBOOK


sábado, 31 de mayo de 2025

Una película / León: The Professional

 

LÉON: THE PROFESSIONAL

"Léon: The Professional" (1994), dirigida por Luc Besson, es una película icónica del cine de acción y drama, una obra maestra de los años noventa. Narra la historia de Léon, un solitario asesino a sueldo que vive en Nueva York, y Mathilda, una niña de 12 años que se convierte en su protegida tras la muerte de su familia a manos de un corrupto agente de la DEA. La relación entre ambos, marcada por la necesidad mutua y una extraña amistad, crea una trama emotiva y tensa, con escenas memorables y actuaciones destacadas de Jean Reno como Léon, Natalie Portman en su debut como Mathilda, y Gary Oldman como el sádico villano. La película combina secuencias de acción con momentos de profunda introspección, explorando temas de soledad, moralidad y redención.

FACEBOOK

sábado, 15 de febrero de 2025

Una película/ The Damned, de Luchino Visconti

 


Luchino Visconti

THE DAMNED


The Damned (1969), dirigida por Luchino Visconti, es una de las películas más controvertidas y visualmente sorprendentes del cine italiano. Una escalofriante y visceral representación de una familia aristocrática alemana durante el ascenso del nazismo, la película explora temas de poder, decadencia y decadencia moral. Basada en la novela Los Malditos del escritor alemán Friedrich Dürrenmatt, la historia de la película gira en torno a la familia von Essenbeck, cuyo estatus alguna vez prominente se desintegra a medida que descienden en la traición, la corrupción y la violencia.

Helmut Berger, una de las figuras líderes del cine europeo durante los años 1960 y 1970, hizo una actuación memorable y inquietante como Martin von Essenbeck, el calculador y ambicioso heredero de la fortuna familiar. El comportamiento frío y desprendido de Berger trajo un escalofriante sentido de realismo al carácter, simbolizando la decadencia social más amplia que conduciría a los horrores del régimen nazi. Su interpretación es citada a menudo como uno de sus mejores, consolidando su reputación como un actor capaz de profundizar en papeles oscuros y moralmente complejos.

Florinda Bolkan, otra destacada en la película, interpretó a un personaje clave, Sophie von Essenbeck. Su papel exploró temas de traición, supervivencia y complicidad dentro de una familia al borde del colapso. La actuación de Bolkan añade un elemento de fragilidad y tensión a la película, equilibrando la brutalidad de los personajes masculinos con sus propias luchas internas.

Visconti, conocido por su dominio del estilo cinematográfico y su crítica de la aristocracia y el fascismo, creó una película que era tan suntuosa visualmente como moralmente perturbadora. Los opulentos diseños del conjunto, combinados con la violencia visceral de la narrativa, hicieron de The Damned un comentario inolvidable sobre la fragilidad de la sociedad y el compromiso moral de los individuos en tiempos de crisi nacional.

HISTORICAL AMERICA / FACEBOOK


miércoles, 14 de agosto de 2024

Una película / El mayordomo inglés

 


John Malkovich protagoniza ‘El mayordomo inglés’

Madrid / Barcelona
13 de agosto de 2024

El próximo 23 de agosto se estrena en cines El mayordomo inglés, una película basada en el bestseller del popular escritor Gilles Legardinier (que también dirige la cinta) y protagonizada por el dos veces nominado al Oscar John Malkovich. 

Sobre la cinta

Andrew Blake es un empresario de éxito que a pesar de sus triunfos en los negocios no encuentra su lugar en el mundo. Un último impulso lo lleva a regresar a Francia, a un precioso Château en el que había conocido a su mujer. Cuando llega a la finca, donde nadie sabe quién es, lo confunden como mayordomo y él decide asumir el puesto. Los encuentros y situaciones fuera de control lo llevarán en una dirección muy distinta a la que esperaba.

EL PAÍS




sábado, 10 de agosto de 2024

Una película/ Chico & Rita



Chico, Rita y Mío


CHICO & RITA

“Besaría el suelo que pisas si vivieras en un barrio más limpio”

Chico a Rita

***

Javier Mariscal y Fernando Trueba son dos buenos amigos que se veían poco, así que con el pretexto de cambiar esa dinámica decidieron crear un proyecto común, y nació Chico y Rita. Tras anteriores colaboraciones para Calle 54, la idea de la película ahora también convertida en cómic se le ocurrió a Trueba, inspirado por una animación que Mariscal había creado para Compay Segundo. ¿Por qué no hacer una de dibujos animados sobre Cuba? Y se pusieron manos a la obra.

Lo hicieron a su gusto, ellos que pueden: quisieron una historia de amor y un protagonista que pudiera ser Bebo Valdés allá por los cincuenta, lo que permitiría al dibujante recrearse en los hermosos coches de la época, en el vestuario... fue el propio Bebo quien les dio detalles de aquella coyuntura, pero Rita, la coprotagonista, surgió sobre la marcha de la mente de ambos artistas, que también preparan una edición del libro con un disco en el que cada canción tiene ilustraciones.

El Cultural, 6 de enero de 2011

***

Ganadora del premio Goya al mejor filme de animación, Chico y Rita supone el debut de Trueba en este género cinematográfico: "Cualquier película te lleva mucho tiempo, y una de dibujos todavía más. Hay que armarse de paciencia, porque a veces tienes que esperar muchos días para ver un simple plano acabado", afirmó.

El ilustrador, por su parte, nunca se había enfrentado a un largometraje animado: "Me he metido en este proyecto porque conozco a Fernando y sé que todo fluye cuando estás a su lado. Te lleva adonde él quiere. Es tan generoso que, en ocasiones, piensas que eres tú quien conduce la nave. Es un maestro".

Igual de elogioso se mostró el cineasta, cuya admiración por Mariscal data de sus días en la universidad: "Antonio Resines siempre llevaba El Víbora bajo el brazo, y solía enseñarme los dibujos de Xavi. Desde entonces he tenido el sueño de que trabajáramos juntos".

El filme narra la historia del pianista Chico y la cantante Rita, dos personalidades volcánicas que protagonizan una destructiva relación sentimental. "Es como un bolero, con esa estructura en la que cabe el amor, el desgarro, el desengaño, el regreso...", expuso Trueba.

La comparación no es baladí, ya que la música juega un papel decisivo en el desarrollo de la trama. "Forma parte de la historia de un modo muy íntimo. El 50% son canciones de Bebo, pero también hay piezas de Cole Porter, Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Chano Pozo", enumeró el director.

Ya se conocía la afición de Trueba por los ritmos caribeños, pero dicha pasión resultaba desconocida en Mariscal: "La música cubana me ha gustado toda mi vida. Con el tiempo descubres su fantástica variedad, capaz de mezclar las bandurrias de Navarra con los tambores africanos", analizó Mariscal con entusiasmo.

Responsable de la cuestión gráfica, el ilustrador definió Chico y Rita como "una película arriesgada en todos los sentidos". "Es un riesgo porque son dibujos animados, es un riesgo porque son dibujos animados para adultos y es un riesgo porque es una película dirigida por un gran profesional, pero dibujada por un chapuzas", bromeó.

Las similitudes son evidentes entre el protagonista de la película y Bebo Valdés, pero Trueba insistió en diferenciar a ambos personajes: "El parecido físico es evidente, porque Xavi se inspiró en Bebo a la hora de dibujar a Chico, pero sus peripecias biográficas son muy distintas".

No hay planes, de momento, para un nuevo proyecto conjunto, pero Mariscal acudiría sin dudarlo ante una hipotética llamada de su colega: "Si por mí fuera, estaría continuamente con nuevas producciones de dibujos animados, porque creo que se trata de un género con gran futuro".

EFE / 20 minutos


jueves, 7 de mayo de 2020

Una película / Ridley Scott / Gladiador

Cartel EEUU de 'Gladiator' (con imágenes) | Gladiador pelicula ...



20 años de ‘Gladiator’ 
Los secretos del caótico 
rodaje de un filme épico


La historia protagonizada por Russell Crowe y dirigida por Ridley Scott arrancó con un guión inacabado y acabó con cinco premios Oscar

  
El 5 de mayo del año 2000 llegaba a los cines una de las películas llamadas a hacer historia en el séptimo arte: Gladiator. El británico Ridley Scott, autor de obras como Alien o Blade Runner se encargó de dirigir el filme que iba a revitalizar el peplum en pleno inicio del siglo XXI. Pero el suyo fue un rodaje de lo más disparatado, con un guion de 21 páginas sin desenlace que se fue construyendo sobre la marcha y que tuvo que tirar para adelante porque ya tenían cerrado todo el calendario de producción.
Pese a todo, la cinta que encumbró a Russell Crowe y descubrió el talento de Joaquin Phoenix se alzó con cinco premios Oscar de los doce a los que estaba nominada, entre ellos el de mejor película. Cuando se cumplen veinte años de su aterrizaje en unas salas que hoy están vacías, desentrañamos algunas de las anécdotas y secretos de un filme épico que conquistó a crítica y público con acción, emotividad y una banda sonora preciosa a cargo de Hans Zimmer y Lisa Gerrard.

Una película / Jean-Jacques Annaud / El nombre de la rosa


F. Murray Abraham, Michael Lonsdale, Sean Connery, Umberto Eco y Jean-Jacques Annaud, en el rodaje de El nombre de la rosa


El nombre de la rosa: un rodaje complejo, un actor ególatra y un adolescente que conoció el amor en el set

Guillermo Courau
 de mayo de 2020

Un italiano, un francés y un escocés se encuentran en un set de filmación. Podría ser el principio de un mal chiste, o también la génesis de uno de los proyectos más ambiciosos que ofreció el cine europeo de los 80. Una odisea que revitalizó carreras en terapia intensiva, como también hizo tambalear apellidos hasta entonces prestigiosos. Todo eso y más fue El nombre de la rosa , una película que trasladó el cine de detectives a la Edad Media a partir de un libro que era muchas cosas, menos cinematográfico .

El nombre de la rosa
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La novela Il nome della rosa , del piamontés Umberto Eco se editó en 1980, y llamó enseguida la atención de lectores y críticos por mezclar en algo más de 600 páginas una trama policial de inequívocas referencias al Sherlock Holmes de Arthur Conan Doyle con la Italia del siglo XIV , de mirada aguda sobre la religión y la ciencia. El autor explicaba la conexión de la historia con el presente en una entrevista de 1986, durante el rodaje del film: "La Edad Media que yo describí era una época de total transición, en tecnología, política y sociedad. Surgieron nuevos pueblos, nuevas razas y nuevos idiomas, así que también fue una época de mucha inseguridad. Y yo creo que nuestra sociedad contemporánea, llámese posmoderna o posindustrial, se encuentra en un período de transición muy similar, otra época de incertidumbre".

miércoles, 6 de mayo de 2020

Una película / Federico Fellini / La Dolce Vita

Federico Fellini 

LA DOLCE VITA

"Blasfema, pornográfica y bestial": 60 años después de la polémica, La dolce vita vuelve remasterizada y en streaming

Paula Vázquez Prieto
21 de abril de 2020



Cuando hace 60 años se estrenaba La dolce vita, la imagen de un Cristo suspendido desde un helicóptero sobre la silueta de Roma anunciaba un nuevo tiempo para el cine, una modernidad rabiosa que no descansaba ante nada, que no dejaba en pie la narrativa ni las tradiciones, que sentaba las bases de un nuevo lenguaje, inspirado en sueños y deseos, en atrevimientos estéticos y melancólicas reflexiones. Y así como en diciembre el clásico de Fellini regresó a los cines remasterizado en 4K, este martes puede alquilarse en Vimeo.



Fontana di Trevi
La Dolce Vita

Con su estreno, Federico Fellini dejaba su Rímini natal detrás de aquellas fábulas de vitelloni y se erigía como uno de los maestros de una generación, hacedor de un cine de gran espectáculo, festivo y contestatario, que penetraba en las mentes de espectadores vírgenes de aquellas emociones y aquellos escándalos.


Sylvia
La Dolce Vita

sábado, 2 de mayo de 2020

Una película / Frank Darabont / Cadena perpetua




UNA PELÍCULA

Cadena perpetua

de Frank Darabont


Gregorio Belinchón
30 de abril de 2020


Kit de supervivencia cultural para el encierro (día 48)


William Shakespeare es el más prolífico guionista de la historia del cine… sin haber conocido ni siquiera la electricidad. ¿Y el segundo? Pues probablemente Stephen King, por lo inmenso de su obra y por su cuidado con las imágenes, que elevan rápidamente las posibilidades de su traslación audiovisual. Como King nunca ha tenido reparos en que se adapten sus novelas y sus cuentos, hay películas y series de televisión mejores y peores armadas desde sus palabras. Cadena perpetua pertenece al grupo de las excepcionales… también porque su director, Frank Darabont, le tiene cogido el tranquillo a King: ahí están también La milla verde y La niebla.
En Cadena perpetua (1994) desarrolla la amistad entre dos presos, dos tipos por otra parte con gran nivel de decencia para el mundo que les rodea, una cárcel regida por malos bichos. Andy Dufresne (Tim Robbins) y Ellis Boyd "El Rojo" Redding (Morgan Freeman) charlan durante lustros en el patio, en el interior del edificio… Y mientras hablan asisten al paso del tiempo, construyen una relación imposible en el mundo exterior. De fondo, un sentimiento que encuentra eco hoy en la situación actual: esperanza, que es justo la última palabra que se escucha en inglés en Cadena perpetua. Por cierto, Darabont y King eran amigos desde que en 1984 el primero adaptó en el corto La mujer de la habitación la historia homónima del segundo. De ahí que el escritor le vendiera por tan solo 1.000 dólares los derechos para el cine de Rita Hayworth and the Shawshank Redemption, el título original del libro,… y que además, años más tarde, le devolviera a Darabont el cheque sin cobrar con la nota “por si alguna vez necesitas la fianza”. Solo queda una pregunta en el aire: ¿quién pega el cartel que cubre la entrada al túnel?
Cadena perpetua. Frank Darabont. 1994. Disponible en Movistar +.

jueves, 30 de abril de 2020

Una película / Francis Ford Coppola / El Padrino


Francis Ford Coppola, Marlon Brando y Al Pacino


UNA PELÍCULA 

El padrino

de Francis Ford Coppola

Gregorio Belinchón
19 de abril de 2020

Kit de supervivencia cultural para el encierro (día 36)


I believe in America. America has made my fortune”. La primera secuencia muestra un rostro compungido, rabioso. La cámara se aleja poco a poco de esa cara, la de alguien que viene a pedir ayuda, probablemente también consuelo, a un hombre con poder, y a quien le cuenta una desgracia ocurrida a su hija. Rodeados de oscuridad y silencio. Y por primera vez se oye a quien le recibe: “¿Por qué acudiste a la policía? ¿Por qué no viniste a verme primero?”. Y después, el acabóse. Hasta su secuencia final, en la que la cámara también se aleja de un rostro. Esta vez es el de un hombre satisfecho, apoyado en la mesa de su despacho. Su esposa mira desde el otro de la puerta. En la distancia, ve cómo otros felicitan a su marido. También hay silencio espeso. Y oscuridad. Alguien susurra “Don Corleone”... Un guardaespaldas cierra lentamente la puerta, y la mujer entiende que ha perdido a su marido, deglutido primero por un alud de villanía y convertido ahora en el motor del mal.
Entre medias, un rodaje infernal, una demostración de lo que es capaz de hacer el ser humano cuando se le pone entre la espada y la pared. Tanto en el rodaje, con Francis Ford Coppola cuestionado cada día, como en la pantalla, cuando Michael Corleone es empujado a tomar las riendas de su familia y no acaben devorados por los otros clanes de la Cosa Nostra (nunca se pronuncia la palabra mafia) que aprovechan la ausencia forzada de su padre, un hombre recto, genial estratega, que añora de forma a veces melancólica tiempos pasados en los que no existían tantos matices de grises. Pacino, Brando, las naranjas, la oferta que no se pudo rechazar… El padrino, ¿para qué más? 
El padrino. Francis Ford Coppola. 1974. La película está disponible en Netflix, Rakuten TV y Amazon Prime Video.

Una película / Michael Radford / El cartero






UNA PELÍCULA
EL CARTERO
de Michael Radford


Por Alma Baires & Miguel Pina

El cartero y Pablo Neruda dirigida por Michael Radford es una película italiana del año 1994 que destaca por la sutileza de sus lineas narrativas y por lo preciosista de sus evocadoras imágenes. “Il Postino”, que es su título original, se estrenó en Italia en el Festival de Venecia el 1° de septiembre de 1994 y fue distribuida en las salas italianas el 22 de ese mismo mes. Una película del, hasta ese momento no muy conocido, director inglés Michael Radford y de Massimo Troisi. Porque, aún si luego nunca fue acreditado, el actor italiano que saltó a la fama por este papel, fue el co-director de la película y se involucró también en la redacción del guion. 




El filme está basado en la novela titulada “Ardiente paciencia” (1986) del escritor chileno, Antonio Skármeta. La cual, cuando fue leída por Massimo Troisi, le causó un gran impacto emocional y no se detuvo hasta poder comprar los derechos para llevarla a la gran pantalla.

Si bien en el libro la historia se ambienta en un pequeño pueblo de pescadores de la Isla Negra, cerca de las costas chilenas, en junio de 1969; para la película se decidió hacerlo en el año 1952, período en el que realmente Pablo Neruda se encontraba exiliado en Italia. Después de probar a rodar la película en la isla de Pantelería (Sicilia), se eligió hacerla en Procida y Salinas, en las cercanías de Nápoles. En este lugar nació Massimo Troisi y ahí es cuando comprobamos la máxima implicación del actor en el proyecto que cambiaría su vida. El cine, una vez más, es el reflejo de las emociones de sus creadores.

El mapa geográfico y sentimental de El cartero y Pablo Neruda siempre transcurre de manera paralela en la bellísima filmación. A Pantelería es donde el poeta Pablo Neruda llega pidiendo asilo político. Allí es donde entabla amistad con Mario (Massimo Troisi) que es contratado como cartero para hacerle llegar la correspondencia al famoso poeta. Pablo Neruda es interpretado por el famoso actor francés Philippe Noiret, con hasta ese momento una larga lista de éxitos internacionales (¿quién podría olvidar su personaje de Alfredo en Cinema Paradiso de Tornatore?). Y ese cartero, un hombre pobre y simple, hijo de un pescador analfabeto (como casi todos los habitantes de la isla), es el ya nombrado Massimo Troisi, conocido en Italia como “el cómico de los sentimientos”.



El filme italiano gira en torno a la relación maestro/discípulo que de alguna manera ya se apreciaba en la antes citada Cinema Paradiso. En aquella mítica cinta era la sala de cine la que servía como referencia cultural, social e informativa de un pequeño pueblo italiano. Este municipio abría sus ojos al mundo a través de la cinematografía. Sin embargo, en El cartero y Pablo Neruda el motor que mueve a los personajes representados es la poesía. La película es también una una interesante metáfora que refleja perfectamente la realidad social de la población italiana de la época. Una sociedad castigada por la posguerra y desconectada en cierta manera de la vida cultural de las grandes ciudades.

Pero el amor no entiende de fronteras sociales o culturales. Tampoco lo hace el deseo sexual. Y ahí es cuando entra en escena Beatricce. Ésta, es interpretada por una hermosa Maria Grazia Cucinotta que representa el poderío de la mujer italiana. En esta parte de la producción, narrada en forma de cuento rural costumbrista, es cuando se establece un triangulo social entre Neruda, el cartero y la joven Breatricce. Mario, que es un hombre tímido, encuentra el coraje y también los medios para intentar conquistar a la mujer que ama a través de los versos de su amigo el poeta.

La escenografía de la cinta es evocadora. La pureza del Mediterráneo siempre está presente en un segundo plano cuando no en un primero. En la parte final se alterna el preciosista color con algunas imágenes en blanco y negro. Con ello, el cineasta apuesta por el melodrama con el que encuentra un contrapunto emocional a la dulzura expresada en la primera parte de la historia. También apreciamos una música muy especial compuesta por el famoso pianista y compositor argentino Luis Bacalov que se llevó el Oscar a la mejor banda sonora original.



El cartero y Pablo Neruda es una cinta bella, sutil y cadenciosa. Nos parece que es mucho más que una película. Es todo un himno a la poesía y al poder de la palabra. Éstas, son capaces de elevar el alma de cualquier ser humano. Mario Ruoppolo, el cartero, se alimenta del aprendizaje del maestro y poeta que tenía a su lado. Hablamos, por tanto, de la historia de una amistad que nace de una admiración profunda y que al final de la película se muestra recíproca. Con ello, se pone en valor la humildad como principal vector moral de la dulce propuesta presentada.


Este texto ha sido escrito de manera conjunta junto a Alma Baires a la que agradezco de manera muy especial su colaboración y su amor por el cine. 

Alma es una escritora argentina afincada en Italia que dirige el blog: Las pasiones de Alma. En él, nos regala su pasión por los libros, las películas y la música. Además de ello, administra otras tres páginas web que podéis consultar en su perfil. Con Alma, comparto una manera muy parecida de ver la vida y con ello la manera de amar el cine. Porque el cine es solo el reflejo de la historias que conforman nuestras vidas, nuestro pasado y nuestro futuro. Gracias Alma y gracias a toda la comunidad que conforma este universo mágico al que aspira a ser Cine y críticas marcianas. 




Una película / Julio Medem / El árbol de la sangre




UNA PELÍCULA
El árbol de la sangre
de Julio Medem

"Ofrecer amistad al que pide amor es como dar pan al que muere de sed."
Ovidio.

La historia: Rebeca (Úrsula Corberó) y Marc (Álvaro Cervantes) son una pareja de enamorados que deciden pasar unos días en un caserío familiar del País Vasco buscando el aislamiento y la intimidad más absoluta para recomponer su pasado. Para ello, deciden poner en común los recuerdos de ambas familias trazando un árbol genealógico que los llevará al punto exacto en el cual se conocieron. Además, se proponen un reto de sinceridad extrema en el que tendrán que redactar juntos la historia de su romance. Otra parte del desafío consistirá en desvelarse el uno al otro todos los secretos que pudieran guardarse tanto en el ámbito de la pareja como en el oscuro pasado familiar.

Úrsula Corberó y Álvaro Cervantes

La crítica: La poderosa imagen superior en la que vemos a dos jóvenes uniendo sus manos a través de la corteza de un poderoso árbol es la poética metáfora con la que Julio Medem (Los amantes del círculo polar), abre esta complejísima historia de más de diez personajes entrelazados a través de un guión original que en sí mismo es ya una obra literaria de máximo alcance.

¿Qué trata de decirnos Julio Medem en esta hiperbólica historia de amores y desamores, encuentros y desencuentros, huidas y venidas? Pues en primer lugar que está de regreso y espero que esta vez sea ya para dirigir y escribir películas de manera continuada ya que desde 2010 solo había dirigido incomprensiblemente dos películas.

El árbol de la sangre es una película que se podría disfrutar más en un segundo visionado que en la primera proyección. Ello se debe a la complejidad del puzzle sentimental ofrecido por el cineasta. Pero en cualquier caso, la obra presenciada es mayúscula en emocione cuando poco a poco va penetrando en la memoria vital del espectador. Medem genera una fuerte empatía con la pareja protagonista que en definitiva representan la pasión y el dolor cuando el primer amor aparece en la vida de las personas.

Otra de la muchas preguntas que lanza al aire Medem es si la sinceridad absoluta fortalece o por el contrario destruye las relaciones humanas ya sean en el lado amoroso o en el ámbito familiar. ¿Realmente somos responsables de los aciertos o de los errores de nuestros antepasados? ¿Son los impulsos sexuales de alguna manera controlables en el comportamiento humano vistos desde el punto de vista puramente biológico? ¿Son los celos una muestra de amor o solo un tormento para aquellos que los sufren o los padecen? Estas son algunos de los interrogantes que nos ofrece el cineasta y que responde de manera muy personal a través de los personajes representados en la historia.


Úrsula Corberó (La casa de papel) es una actriz en plena evolución y que consigue a través de Julio Medem dar el salto de calidad que le hacía falta en la gran pantalla sin el sometimiento mediático o las prisas que conllevan las interpretaciones en las series televisivas. Aquí luce perfecta en el personaje de Rebeca que fue una niña sometida a un trasplante de órganos cuando era un bebé. Este hecho se convertirá en el verdadero árbol de la sangre por la que transcurre toda su experiencia vital y la de su familia. Rebeca conoce poco después de cumplir los 18 años a Marc e inician una relación compleja hasta que siete años después deciden hacer una apuesta de sinceridad en unos días que cambiarán sus vidas para siempre.

Marc es interpretado correctamente por Álvaro Cervantes en una historia con un parecido razonable a la que le otorgó cierta popularidad y llamada El sexo de los ángeles en la que también se hablaba sobre las relaciones de pareja en sus comienzos. En este caso, su personaje no es llevado a la fuerza por Rebeca al caserío vasco, sino que es más bien él y en una idea de su madre (¡ay las suegras!) el que decide e impulsa esta manera un tanto tóxica pero liberadora de conocer a fondo a su pareja que al parecer guarda extraños y misteriosos secretos ocultos.

Nawja Nimri de la que hablábamos la semana pasada a raíz de su mágica interpretación en Quién te cantará vuelve a demostrar que está en su mejor momento profesional interpretando a "La Maca" que es el personaje que hace de la madre de Rebeca. Y es que nos encontramos ante una madre que afronta el reto más difícil de su vida, tras sufrir una enfermedad mental después de haber dado a luz a su bebé. Incluso por momentos tiene que ser ingresada en centros psiquiátricos y con ello dejar en manos de su nueva pareja el cuidado de su niña.

Este padre, que sin ser biológico, es un ejemplo en cuidado de madre y niña es interpretado por Daniel Grao (Julieta) y simboliza la maternidad/paternidad por encima de sexos hasta que la presión le puede y comienza a coquetear con el mundo de las drogas como forma de evasión ante la combinación de conflictos personales.

En el caso del personaje del joven enamorado (Marc), su relación paterno/materna se establece principalmente con su madre que es la ideóloga de que la joven pareja pongan por escrito sus puntos en acuerdo y en desacuerdo pasa así avanzar o no en la relación. Este papel es interpretado por Maria Molins (Cien años de perdón).

Por último, y quizás el personaje y el actor más interesante de toda la película junto a Nawja Nimri, es el otorgado por Medem para el actor argentino Joaquín Furriel (El faro de las orcas), que da vida a Olmo que es un hombre con un oscuro pasado, pero que aparece como constante en la vida de de los demás personajes con idilios, conflictos o pasajes tortuosos y que tendrá la llave para desvelar si el futuro amoroso de Rebeca y Marc tiene futuro o debe darse por concluido.

Me dejo algunos actores secundarios pero de relevancia, ante un reparto coral que nos lleva a los 14 personajes que deben ser ya descubiertos y disfrutados en la sala de cine. Pero en una primera conclusión, cabe decir que todo este entrelazado de historias nos lleva a la idea general de que sin conocer quien somos, ni de donde venimos, difícilmente sabremos hacia donde encaminar nuestros pasos.


El árbol de la sangre es un cuento moderno envuelto de forma muy poética en las potentes imágenes que nos regala Julio Medem. En conclusión, es una película muy profunda y algo confusa que va creciendo poco a poco de manera inversa a como lo hacen las raíces de un árbol. El cineasta vasco fija siempre el foco de atención en los conflictos pasionales, sentimentales o éticos que han acompañado su filmografía. Nos encontramos también ante una filmación muy dolorosa con frases desgarradoras, que si bien sacadas de contexto pueden parecer excesivas en lo melodramáticas, en el colocón emocional en el que nos envuelve el director causan el efecto narrativo deseado. Quizás las más llamativas de las que recuerde sean las tres siguientes:

_Me mata pensar hasta donde pudiste ser capaz de engañarme.

_He sabido tu verdad y he dejado de quererte.

_¿Recuerdas mi verdad más grande?


En definitiva, la filmación no deja de ser una historia de amor trágico que enlaza de alguna manera y con muy buen gusto narrativo con el Romeo y Julieta de William Shakespeare, pero con la diferencia de que Julio Medem ofrece a sus amantes una salida para que reconstruyendo el pasado puedan conquistar el futuro.
Nota: 8/10.

Nacionalidad: España.

Dirección y guión: Julio Medem.

Reparto: Úrsula Corberó, Álvaro Cervantes,
Najwa Nimri, Daniel Grao, Joaquín Furriel.

Música: Lucas Vidal.

Fotografía: Kiko de la Rica.

Duración: 130 minutos.

Estreno España: 31/10/2018.



lunes, 27 de abril de 2020

Casa de citas / Max Frisch / Volker Schlöndorff / Ella




El regreso a Montauk / Tráiler en español

Max Frisch / Volker Schlöndorff
ELLA

Ella fue mi gran oportunidad, la que importaba.





Cuando estoy en esta ciudad, las esquinas de todas las calles me recuerdan a ella.


domingo, 26 de abril de 2020

Una película / Julio Medem / Los amantes del Círculo Polar




UNA PELÍCULA

Los amantes del Círculo Polar

de Julio Medem

Gregorio Belinchón
24 de abril de 2020







Kit de supervivencia cultural para el encierro (día 42)


Julio Medem es un cineasta que nunca ha tenido miedo en enfangarse, tanto en la forma y fondo de sus películas como en sus aproximaciones al documental. A veces sale malparado –es lo que tiene el riesgo­–, otras sale limpio tras el triple salto mortal. Y cuando cae de pie, cuando su pirueta cinematográfica deja boquiabierto al público, en esos momentos de poesía pura, sin adornos melifluos y con un ambicioso uso de lo visual, es cuando Medem es inigualable. Una de sus mejores películas es Los amantes del Círculo Polar (1998), una película que desde su mismo título ya alerta sobre su forma: será circular, simétrica, capicúa palíndroma (si eso se puede aplicar al cine). Con personajes con nombres obligados por el juego del director: Otto y Ana.
Medem escribió el guion después de su divorcio, y pensó en el amor como una poderosa fuerza motriz, tocada por la melancolía que deviene de los sentimientos que descubrimos cuando ya han pasado por nuestras vidas. Sus protagonistas se conocen desde niños, y poco después se convierten en hermanastros cuando el padre de Otto se casa con la madre de Ana. A pesar de esa relación familiar, se enamoran y más tarde se separan. Pero el cine de Medem está lleno de giros enigmáticos y curiosos que el espectador debe de aprender a respetar. “La casualidad que estábamos esperando”, le escribe Ana a Otto. Llega el reencuentro en Laponia y la sumisión de Medem al amour fou. Con su lluvia de mensajes en aviones de papel, con su extraño cruce en la madrileña Plaza Mayor, con su esquiar hacia arriba subido en un gigante finés… Los amantes del Círculo Polar emociona. Y eso no es poco en los tiempos que corren.


Los amantes del Círculo Polar. Julio Medem. 1998. La película está disponible en FlixOlé.
EL PAÍS